Блог пользователя lebedeva100

Когда художник сталкивается с вопросом: «Как продавать картины в интернете?», то ответ кроется в том, что нужно раскрыть замысел художника при помощи презентации картины и описания идеи, чтобы у покупателя не оставалось вопросов и возникла мысль о покупке. На сайтах покупатель видит только фотографию картины, поэтому описание должно быть вовлекающим, интересным, ёмким. С помощью описания создайте образ картины. Я, например, описывала, как появляется сила и энергия в моих картинах: «Я наносила слои густых мазков на холст без правил, без ограничений».
Допустим, на вашей картине изображена цветущая вишня - это тема весны, когда природа обновляется и расцветает. Унылая зима ушла и появились нежные лепестки.

Коллекционер может домыслить и придумать свою версию, поэтому оставляйте загадку для его размышления. Когда зритель всматривается и начинает размышлять о картине, он находится в роли творца и дополняет её своими мыслями и образами. Вам нужно сделать так, чтобы у покупателя возникла сильная психологическая связь с картиной, он должен увидеть в картине ассоциацию, связанную с его намерением в будущем или напомнить ему о прошлом.
Как он будет себя чувствовать, смотря на картину? Он испытает подъём энергии, может быть опасность и ощущение как он справляется с этой опасностью.
Если покупатель испытал чувство ностальгии, то он не захочет с картиной расставаться и совершит покупку.
Мне особенно запомнилась одна картина, которую у меня купили в интернете. Это был "Декабрист". У покупателя возникло чувство ностальгии, связанное с этим цветком, который цветёт в декабре.

Если вы хотите раскрыть тему ностальгии, то изложите ваши воспоминания в описании к картине – ваши незабываемые путешествия или опишите букет полевых цветов, который подарил возлюбленный. Лес может вызывать эмоцию предвкушения неизвестности, может символизировать всеобщее бессознательное, вырубку леса, проблемы с экологией. Природа - вечнозелёная тема со множеством смыслов. Какие эмоции ваша картина вызывает у вас? Какие эмоции она может вызвать у зрителя? Опишите на бумаге всё, что вам пришло в голову, ваш поток сознания. Можете рассказать историю, как вы создавали картину, работали над определенной темой, может быть эта тема волновала вас уже несколько лет. Затем вычеркните всё, что не подходит, оставьте самое важное, эмоциональное, цепляющее. Подключите своё воображение и представьте, как бы вы рассказывали покупателю о своей картине. Как выглядит картина? Что на ней изображено?

Подумайте, какие чувства вызывает у вас ваша картина, успокаивает, исцеляет или пугает. Картина может вызывать различные чувства, сильное желание, удивление. Почему вам хочется смотреть на картину и разглядывать её? Какие образы изображены у вас на картине? Может быть это многоуровневая картина, в ней можно увидеть, солнце, вибрации, движение, женское и мужское, тёмное и светлое, не один смысл, а сразу несколько. Они могут быть противоположными друг другу, полярными. Заставьте каждое слово в своём описании к картине работать на результат. Пытайтесь писать без внутреннего критика, по интуиции, опишите свой художественный опыт. Художник, который описывает свои картины досконально, действительно пытается передать свои инсайты людям, интересующимся искусством. При помощи слов вы можете расширить понимание вашего искусства. Ваша цель - сделать человека фанатом вашего творчества, влюбить его в ваши картины, чтобы человек купил не одну картину, а продолжал интересоваться вашим творчеством и, периодически покупал ваши картины. Покупатель должен восхищаться и, действительно любить картины, которые купил у вас, у него должны быть стойкие позитивные ассоциации с покупкой картины.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

1 Связь человека и природы
На картинах мы видим женский образ, девушку, которая испытала резкий испуг и ее сковывает страх. Травы и деревья переплетены с её нервами и мышцами, создавая ощущение, что природа и человек — единое целое. Девушке нужно сделать шаг навстречу своему страху, войти в него, пройти через него, чтобы выйти из своего ступора. Только тогда страх сможет исчезнуть, уступив место свободе и внутренней гармонии.

2 Внутреннее содержание
Художница исследует на своих картинах тему пересечения внешнего и внутреннего, того, что за гранью привычной формы. Необычные ракурсы и искажённые формы создают акцент на внутренней сути человека. В работах достигается глубина с помощью фактуры и наслоения мазков. Цветовая палитра варьируется от насыщенных ярких до приглушённых тонов.
Основной смысл произведений в том, что настоящая личность человека гораздо сложнее и многограннее, чем его внешность. Художница стремится показать, что за внешностью скрываются эмоции, мысли, тайны, переживания человека, которые остаются невидимыми для окружающих. Пересечение внутреннего и внешнего символизирует границу между тем, что мы показываем миру и тем, что скрываем внутри.

3 Параллельные реальности
Художница Екатерина Лебедева задумывается о существовании параллельных реальностей, каждая из которых может быть уникальной и неповторимой. В других реальностях всё может выглядеть иначе: цвета могут быть ярче, небо зелёное, деревья розовые, формы необычные. Окружающий мир, в параллельных реальностях может удивлять своей необычностью и разнообразием. Параллельные реальности - это гипотетические миры, существующие одновременно с нашим, но, при этом они чем-то могут отличаться. Согласно квантовой механике каждое событие происходит в отдельной ветке реальности, например если вы выбираете между двумя вариантами, в одной из реальностей вы уже делаете этот выбор, а в другой - второй. Все эти варианты происходят одновременно, создавая бесконечное множество миров. Наш мир - это результат наших выборов, решений и поступков. Художница Лебедева представляет путешествие в эти альтернативные миры и открывает перед собой новые горизонты, что позволяет ей увидеть границы собственного восприятия.

4 Абстрактные пейзажи
При написании пейзажа художница Екатерина Лебедева стремится соединить реальность с миром подсознания. Пейзажи создаются без предварительных набросков, с натуры, что придаёт таким картинам особую спонтанность и живость, расширяет традиционное понимание пейзажа. Екатерина Лебедева превращает его в символ бессознательного, в особое пространство, где скрытые чувства и неосознанные образы находят своё отражение. В работах Екатерины Лебедевой лес выступает не просто как природный элемент, а как метафора внутреннего мира, таинство скрытого и его многогранность, место где находятся неизведанные аспекты нашей личности. Художница стремится, чтобы зритель мог не только наблюдать, но и погрузиться в атмосферу картины, наполненную внутренней энергией. Художница создаёт не просто пейзажи, а визуальные медитации, в которых мазок, штрих, линия, цвет могут служить ключами к пониманию своего внутреннего мира. Её картины - это диалог между внешним и внутренним, между реальностью и подсознанием, приглашение к размышлению о том, что скрыто за видимым и о том, как природа может стать отражением наших самых сокровенных переживаний.

5 Симбиозы и гибриды
В творчестве Екатерины Лебедевой одна из тем - это соединение разных существ в одном. При помощи своей фантазии художница исследует границы возможного и воображаемого. На полотнах рождаются удивительные существа, где два или даже три организма сливаются в единую целостность, создавая новые формы. Представьте себе лошадь с крыльями и клювом попугая или человека с кошачьими глазами способного видеть в темноте. Художница словно приглашает нас задуматься о том насколько возможна трансформация и какие при ней могут появиться новые качества. Екатерина Лебедева словно создаёт новые цивилизации, где границы между видами стираются. В воображении художницы рождаются существа, которые могут летать, сверхбыстро бегать, видеть в темноте. В её искусстве гибриды становятся проявлением идеи о том, что развитие и эволюция возможны через объединение и синтез. В картинах Екатерины Лебедевой симбиозы и гибриды не просто фантазии - это символ внутренней силы, которая рождается в результате взаимодействия различных способностей.

6 Анимализм, животные как метафора
Одна из любимых тем в творчестве художницы Екатерины Лебедевой - это писать животных. На своих полотнах она передаёт красоту и характер животных: кошек, собак, птиц, насекомых, волков, лисиц, львов, гепардов.
В древних культурах изображения животных занимали особое место. В древнем Египте, например, животные часто несли религиозный и символический смысл, являясь олицетворением духовных сил. Эти изображения могли быть наполнены мистикой и глубоким смыслом. Для Екатерины Лебедевой объектом вдохновения становятся и те животные, что живут рядом с ней. На картинах изображены домашних животные, за которыми она ухаживала: волнистый попугай, кошки, собаки. Эти животные не только вдохновляют художницу, но и занимают особое место в её сердце. Её картины - это мост между человеком и природой, напоминание о том, как важно ценить и беречь окружающий нас мир.

7 Абстрактные цветы
В работах Екатерины Лебедевой тема цветов занимает особое место. Её путь в искусстве начался, именно с написания цветов. Одна из первых её картин "Розовая фиалка", за которой последовали "Азалия", "Иван-чай", "Золотая розга" и другие яркие, насыщенные цветочные абстракции, способные передать красоту и энергию цветов. Эти произведения стали для Екатерины Лебедевой отправной точкой, моментом, когда она почувствовала себя настоящей художницей. Для передачи настроения и внутреннего мира цветка она использует цвет и фактуру. Художница пишет цветы свободно, с внутренним порывом, не ограничивая себя строгими правилами, а наоборот позволяя себе экспериментировать с формой, цветом и движением мазков. В палитре Екатерина Лебедева использует яркие насыщенные мазки, которые вибрируют, наслаиваясь друг на друга, создавая энергию и живость на картинах. Художница предпочитает, при написании цветов, сосредоточиться на красоте цвета чтобы передать жизнь цветка. В этом заключается особенность творчества Екатерины Лебедевой. Она создаёт не просто картины с цветами, а эмоциональный и духовный опыт, позволяющий зрителю почувствовать энергию и магию живых мазков. Абстрактных цветы Екатерины Лебедевой - это размышление о красоте, о быстротечности жизни, об обновлении и возрождении.

8 Абстрактная фигура человека
Одна из тем художницы Екатерины Лебедевой - это абстрактное изображение фигуры человека. На холстах эти изображения, одновременно, узнаваемы и, в то же время, остаются неузнаваемыми. Художница погружается в себя, в бесконечный океан образов, где мысли и чувства текут свободно и непредсказуемо. Художница Екатерина Лебедева фиксирует свои озарения, сначала на бумаге, потом на холсте. Разум человека склонен к рациональным объяснениям и правилам, подсознание же - это территория метафор. Художница считает, что возможности работы с подсознанием безграничны, там есть личный и коллективный опыт, архетипическая память и предчувствие. Художница разрешает этим образам материализоваться на своих холстах, без внутреннего критика. Каждая абстрактная фигура рождается спонтанно, и поэтому сохраняет живость и уникальность рисунка. Произведения могут работать как зеркала, возвращая зрителей к личным ассоциациям. Художник Екатерина Лебедева считает, что в человеке заложено намного больше, чем кажется, на первый взгляд и искусство способно заглянуть в эти глубины и вывести инсайты на свет.

Во Франции я получила незабываемый опыт написания картин на пленэре и хочу рассказать вам о нем. Лучшие места для пленэра я находила около шато, прибрежных сосен и тысячелетних олив. Место мне подходило максимально дикое, чтобы находиться наедине с природой, дышать полной грудью свежим воздухом и чувствовать аромат пожухлых осенних виноградников. Мы выезжали на пленэр несколько раз в красивые места. Во Франции всё разделено на частные владения, поэтому было страшно, что в любой момент может выйти хозяин с собакой. Но только один раз мимо места, где я писала картину, проезжали на кабриолете хозяева. Они остановились и долго смотрели как я работаю, потом поехали дальше. Когда я пишу картину на пленэре, то наблюдаю за природой, за её оттенками, за освещением, за вдохновляющей гаммой красок. Мне очень нравятся цвета и атмосфера французских виноградников.
Как я не пыталась найти укромные места, где тишина и дикая природа, всё равно рядом проходили или пробегали французы и здоровались со мной. Все французы очень любят бегать. Ну всё-таки мне удалось найти несколько природных ландшафтов, где я почувствовала связь с историей Прованса и невидимым потоком времени.
Первое место было рядом с тысячелетней оливой. Она стояла на вершине холма, её освещало солнце. Рядом раскинулись живописные виноградники. Эта олива показалась мне священной. Величие древнего дерева завораживало, превращая его в символ вечности и красоты.
К пленэру я готовлюсь заранее, выбираю цвета, которые могут понадобиться, делаю выкрасы. Во Франции в Бандоле я скупила всю текстурную моделирующую пасту и писала ей. Заранее покрывала краской фоны, перед выездом на пленэр. Мне доставляло огромное удовольствие пробовать новые французские материалы, пасты, краски смешивать их.
Пока солнце не село, я старалась работать быстро и писала по две картины за раз. Мне хотелось запечатлеть изменяющееся освещение и неповторимые ощущения от золотистых виноградников, бесконечного простора полей, красоты приморских сосен и величия гор.
Пленэр во Франции стал очень популярным в XIX веке, благодаря импрессионистам, которые стремились написать мгновение и своё впечатление от природы. Этот их опыт оказал на меня огромное влияние. Я подумала: раз уж я нахожусь во Франции, то, обязательно, должна пойти на пленэр и написать яркую картину. Пленэр помогает художнику быстро развивать наблюдательность, свою технику свободных, живых мазков, быстрого написания картины. Мне на пленэре хочется сделать картины более абстрактными. Я считаю, что природа для этого идеально подходит.
Во время пленэров я, по-настоящему, отдыхаю и сердцем, и душой. Для меня это настоящий творческий отдых. С помощью пленэра я погружаюсь в изменённое состояние сознания, глубже чувствую природу и сливаюсь с ней. Во время пленэров я стараюсь писать природу как можно более свободно и живо. На свежем воздухе картины получаются более живыми, свободными от скованности и передают дух природы.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Перед подготовкой к выставке "Жар творчества " возникла идея сделать яркий, запоминающийся перформанс с огнём, чтобы придать большего эффекта открытию выставки и посмотреть на реакцию людей. За день до открытия мы провели пробный эксперимент на лестничной площадке Artplay, при этом всё согласовав с руководством. Мы хотели материализовать свою фантазию, зафиксировать момент вспышки огня на картине и показать этим жестом, что искусство не горит. Когда действие происходило я не знала, что будет с картиной, поэтому это было волнительно и для меня тоже, случайность играла важную роль.

В то время в Пушкинском музее шла выставка китайского художника Цай Гоцяна, который работает с огнём и порохом. Вдохновившись его опытом, я подумала, что сделаю что-то подобное на своей выставке, поэтому я решилась поджечь свою картину. Художник может по-разному уничтожить свои работы, например разрезать, но, когда вспыхивает пламя — это как мистерия очищения и обновления духовного и материального. Также мой перформанс символизировал, что настоящее искусство нетленно, его нельзя уничтожить и запретить. Истинные идеи не могут быть ликвидированы ни огнём, ни хейтерами, ни злобой - ничего не значащей оценкой обывателя или "эксперта". Сама идея вечна, тем более, когда она воплощена в жизнь, её зафиксировали на камеру и, важно, что её увидели зрители. Идея может изменить людей, которые пришли посмотреть на перформанс. Человек меняется каждый день, иногда осознанно, а иногда без понимания того, что происходит. Когда всё внимание зрителей сосредоточено на огне, он является реальностью, которая происходит здесь и сейчас.

Мне было важно подвести итог моей профессиональной деятельности за 10 лет: очиститься и освободиться. Очиститься от того, что было для того, чтобы дать свободу новым идеям и продолжить с новой силой. Ещё огонь символизирует разжигание внутреннего огня, чтобы продолжать творить, гореть огнём вдохновения.
На следующий день на открытии выставки в назначенный час собрались гости. У нас был запланирован розыгрыш и люди записывали свой номер телефона на листок бумаги и бросали этот листок в прозрачную вазу. Никто из присутствующих не знал какой будет приз, потому что картина была скрыта под бумагой. После торжественного открытия людям объявили, что сейчас будет перформанс и публика собралась вокруг, скрытого бумагой предмета. Мы выключили музыку, чтобы была тишина, все замолчали в ожидании того, что будет дальше. Пламя вспыхнуло, бумага загорелась и когда она прекратила гореть всем наблюдавшим за действием открылась взору яркая, абстрактная картина. Фотографы смогли запечатлеть этот момент на быстрой съёмке. Этот перформанс был кульминацией выставки. Картина воспламенилась и Жар Творчества вспыхнул с ещё большей силой!
В это событие были вовлечены зрители и они получили яркие впечатления. Ребенок выбрал в вазе листочек с телефоном и картина была подарена женщине, которая призналась, что никогда ничего не выигрывала, она не ожидала такого подарка и была очень взволнована. Все задуманное получилось и для меня открылись новые горизонты для самовыражения.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Творчество играет важную роль в повседневной жизни. С помощью творчества вы развиваете свои личные качества, улучшая каждый новый день, справляясь со стрессом и находя новые способы решения задач. Художник обращает внимание на красоту окружающего его мира, замечая детали и символы. Эта способность присуща многим творческим людям с рождения, у них есть потребность в свободе самовыражения. В повседневной жизни, по сути, каждый день вы делаете одно и то же. С помощью фантазии можно развивать нестандартный подход к решению ежедневных задач. Вы можете пойти в новое место, попробовать новую еду, пойти новой дорогой. В детстве наша оригинальность ничем не стеснена, она абсолютно свободна от строгого рационального мышления. Во взрослом возрасте творчески независимый подход может быть усилен в сотни раз. Если вы много работаете, применяя свою творческую энергию, то нарабатываете новый опыт и становитесь решительнее и смелее в своей работе с каждым днём, при этом осуществляя свои идеи в живописи, графике, скульптуре. Чтобы быть конкурентоспособным вам нужно уметь генерировать нестандартные идеи и воплощать их в жизнь.
Любая тревога полностью исчезнет, если вы, во время созидания, максимально сосредоточитесь на задаче. Я абсолютно уверена, что творчество может исцелять невроз. Если описывать и прорабатывать триггерную ситуацию, которая вас беспокоит, то постепенно можно снизить давление и стресс. Когда я креативно решаю задачу, творю, то переключаюсь с обычного жизненного ритма на размеренный творческий процесс, таким образом успокаиваюсь. Ваше творчество выражает как вы себя транслируете в этот мир. Каждая линия и штрих – это выражение эмоций и чувств автора. Ваше самовыражение проявляется в образе жизни, в вашем стиле, в вашем вкусе, который зависит от насмотренности, какие картины вы видели на выставках, какие книги вы читали. Самовыражение и чувство вкуса относятся к эстетическому восприятию и гармонии всего, что вас окружает. Творчество развивает чувство вкуса и то, чему вы уделяете внимание: от фотографирования до создания интерьера и уюта в доме. Умение видеть красоту вокруг развивает способность находить радость в мелочах.
С помощью проявленности, демонстрируя свои работы, можно увеличить социальные связи, то есть знакомиться с интересными творческими людьми, видеть других художников, сотрудничать с ними, создавать захватывающие проекты, принимать участие в Open Calls и резиденциях. Тем самым вы выработаете эмпатию и научитесь работать в команде. Такие знакомства способствуют творческой карьере.
Занятия творчеством помогают лучше усваивать информацию. Три года я создаю контент, снимаю видео и пишу статьи. Для этого мне необходимо много новой информации. Это положительно повлияло на развитие моей памяти. Я быстрее запоминаю фразы, стихи для расширения кругозора и остроты ума, что дает чувство гордости за свои усилия и результат.
Через творчество можно передать мысли и идеи, создавая серию на волнующую тему. Фиксируя время, в котором проживаем, можно, как можно больше выразить то, что мы были на Земле. Каждое творение — это свидетельство нашего существования. Творчество — это очень сильный инструмент для развития уникальности жизни.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Мне часто задают вопрос: Какие материалы вы используете при написании картин?- Больше всего мне нравится использовать в своей работе, именно масло, оно хорошо смешивается, и получаются очень красивые оттенки и переходы цвета. Я, обычно, покупаю масляные краски Ладога и Гамма. Масляную основу я готовлю сама и добиваюсь той густоты и текучести, которая мне нужна. Смешиваю в пластмассовом ведре, с помощью дрели, масляную основу и сиккатив. Такая краска позволяет мне создавать текстуры, объём, иллюзию движения мазков. Холст я покупаю в магазине по продаже тканей из льна. Мне очень нравится его выбирать, каждый раз беру новое плетение. Холст натягиваю на подрамник сама, с помощью клещей (специальных щипцов) и степлера. У меня есть своя технология натягивания холста, чтобы избежать провисания и складок. Дальше мне нужен грунт для того, чтобы обеспечить хорошее сцепление краски с холстом. Я покрываю холст прозрачным акриловым грунтом в два - три слоя. Когда работаю над картиной чаще всего использую мастихины разных размеров, ими очень хорошо создавать объём и наслаивать краску. Ещё у меня в работе присутствуют кисти круглые и широкие, ножи, шпатели, тарелки, две деревянные палитры: одна маленькая, другая большая. Вот такими материалами и инструментами я пользуюсь много лет.

Давно хотела составить список художников, которые на меня повлияли и вдохновляли. Мне нравится, когда художники используют яркие цвета, когда в их картинах есть динамика, движение, внутренний посыл, многослойность.
1 Джоанн Митчелл очень вдохновляет своими хаотичными плотными, прозрачными, сине-зелёными мазками. У неё картины очень природные, но не изображающие конкретные пейзажи, скорее, это её воспоминания о природе.
2 Сесили Браун. Мне нравится её масштабность и методы работы с краской. Энергичные мазки розовых, красных, телесных тонов, на полотнах фигуры, как будто-то движутся, сливаясь и переплетаясь с абстрактными формами. Её картины мне напоминают сон. Когда просыпаешься, ощущение после сна ещё присутствует какое-то время, потом образ становится всё более размытый.
3 Наталья Турнова. Меня восхищают её портреты крупным планом, лица, как она берёт яркие насыщенные цвета и большими мазками создаёт серии картин, чтобы раскрыть темы, которые её интересуют. Я понимаю, что справиться с такими насыщенными цветами очень сложно и при этом работать циклами. Для этого нужна огромная воля к написанию картин, тем более в таких больших размерах.
4 Ольга Тобрелутс. Благодаря идеям Ольги, я стала задумываться об использовании искусственного интеллекта, как соавтора. Я была на её выставке в фонде «Екатерина» и вдохновлялась разноплановыми идеями художницы.
5 Фрэнк Ауэрбах. После того, как я увидела его картину, изображение повёрнутой головы, она очень сильно на меня повлияла и мне уже хотелось писать свою версию портретов. Нравятся его смелые объёмные слои масляной краски. Его картины состоят из сложных текстур, которые оживают, приобретая присутствие потустороннего.
6 Джорж Кондо. Мне нравится его смелость, наслоение вымышленных образов, странные существа, искажённые фигуры, как архитипическая фигура человека превращается в мир гротеска. Его картину я в первый раз увидела на аукционе и подумала, что это мощное искусство.
7 Валерий Кошляков. Была на выставке в Музее архитектуры имени А. В. Щусева и с тех пор являюсь его фанаткой. Мне нравятся его античные города, наслоение культур, руины, люстры, канделябры, подтёки краски.
8 Марк Шагал. Обожаю его смелость, и неуёмную фантазию, как на своём автопортрете он написал семь пальцев, его перевёрнутые головы или люди которые парят над землёй. Яркие цвета в его картинах насыщены символизмом, зелёный цвет - это цвет природы и вечного обновления, а синий - это цвет Богоматери и так далее. Когда мне не хватает вдохновения, я смотрю на его картины, чтобы быть смелее в цвете. Я читала его автобиографичную книгу "Моя жизнь", понравилось то, что он всегда оставался собой.
9 Пабло Пикассо. Очень вдохновляет, что он воплотил в своих работах новаторские идеи своего времени, всегда экспериментировал со своей техникой и стилем. Видела живьём его картины, одна из них "Дора Маар с кошкой" - нереалистичное изображение, смесь сна с реальностью, искажённые формы и пропорции. Я читала несколько его биографий, набиралась у него настойчивости.
10 Виллем де Кунинг. Очень нравятся цвета, которые он использовал для передачи эмоций. Особенно запомнилась его "Женщина III" -полнейшее отсутствие правил и борьба с краской на холсте. Смотришь на маленькие фотографии, представляешь его огромные картины, динамику, экспрессию, цветные пятна.
На самом деле художников, которые на меня повлияли намного больше, чем десять.
У вас может быть свой список, напишите в комментариях своих любимых художников

Вдохновение может врываться в вашу жизнь, когда вы его не ждёте, мотивировать вас на новые победы. Когда придёт вдохновение вы узнаете его, ощутите радость, вас отпустят заботы и тревоги и вы почувствуете себя спокойно и уверенно. Источником вдохновения может послужить любая мелочь, масса всего может вдохновить художника.
Творческий человек, художник периодически думает над тем, как создать среду, в которой возможно творить и заниматься исследованиями новых тем и инсайтов. Когда пришло вдохновение, художнику нужно быть в активном желании делать что-либо, чтобы запечатлеть его, схватить эту идею, записать или зарисовать, перенести свое состояние на холст. Конечно, лучше идею записать или запомнить, потому что, если это, действительно, особенная идея, она вас не будет оставлять, а будет преследовать во снах или в повседневной жизни, пока вы не воплотите её в картине или скульптуре. Вдохновение несёт с собой энергетическую волну. Когда у вас появился энтузиазм для работы, оно придает силы, наполняет душу для последующих действий над возникшей идеей, чтобы она воплотилась в реальности. Я бы сказала, что эта энергия поселяется в картине и в скульптуре, как сгусток силы и зритель считывает те картины, которые написаны по вдохновению. Это видно по лёгкости мазка по эмоции. Мы художники можем запомнить это состояние вдохновения и в процессе работы возобновлять в себе эти чувства, ощущения, образы. Художник может выхватывать эти образы из повседневности и копить их, чтобы в нужный момент доставать и применять. В нашем воображение заложен след будущих картин и вдохновение дает энергию, чтобы его высвободить.
Можно вдохновляться чтением выписывать, понравившиеся символы, образы, инсайты, мысли, которые вам пришли во время чтения, стараться их переосмыслить, изменить контекст. Вложив в произведение искусства ценность идеи, которая вас озарила.
Когда художник начал работать над своей идеей, его ничем не остановишь, он идёт как танк. Я считаю, что не нужно ждать вдохновения, оно придет к вам внезапно и невпопад, когда вы его не ждете. У меня часто приходит вдохновение, когда я закончила картину и мне хочется приступить к новой, появляются мысли как сделать лучше? Тогда нужно постараться сразу сделать ещё один вариант картины. Даже в процессе работы, может прийти мысль, которая может захватить и не отпускать художника, полностью его поглотить.
Мне вспомнились художники на Винзаводе, которые в воспоминаниях описывали как они неделю расписывали стены в технике мурал, не спали, были полностью поглощены своим замыслом.
Есть моменты в работе, о которых долго думаешь, но никак не можешь к ним приступить: ноги не идут, руки не делают. Потом раз и за один момент всё получилось наилучшим образом. Когда приходит вдохновение сложная задача решается намного легче, чем казалось, как внезапное прозрение. И можно вздохнуть спокойно. Вы не могли бы бросить эту картину, пока не закончите её, а если вы не закончите картину, будет большой откат назад и вы не сможете продвинуться вперед. Желание что-то сделать, написать сдерживать нельзя.
Ещё может что-то особенное присниться и во сне вы испытаете сильное чувство и, какое-то время, когда проснетесь, это чувство может ещё присутствовать, вы даже, можете не запомнить сон, но чувство останется, например радость в душе. Сильное впечатление от сна запоминается.
Для вдохновения я рекомендую ходить на различные выставки, чтобы не зацикливаться на своей повседневности. Вас могут вдохновить художники своим трудом и целеустремленностью на новые идеи. Другие творческие люди и их идеи очень вдохновляют. Полностью не нужно заимствовать идеи, но ходить и вдохновляться, видеть в работах свой отклик, очень полезно. Заряжаться творческой работой других людей. Сейчас существует множество разных направлений в искусстве, можно увидеть другое, радикально отличающееся от вашего. Изучение через погружение в разные темы, даже страшные и отвратительные, могут вдохновлять.
Когда к вам придет вдохновение, оно вас, как будто озарит светом и вы почувствуете уверенность и будете знать что делать дальше.
Подумайте о чём вы мечтали когда были детьми? Где вы ещё не были? Что вы ещё не видели? Сколько произведений вы ещё не создали, и что вам предстоит их создать. Каким вы станете художником, когда пройдёте всё это и воплотите задуманное. Если вы представите весь этот масштаб, то к вам, обязательно, придёт вдохновение. Постарайтесь поддерживать в себе состояние молодости и желания мечтать, познавать, учиться, добиваться желаемого и радоваться этому.

При подготовке к выставке на Artplay, я размышляла над тем, как сделать экспозицию более заметной и интересной для зрителя, а так же как использовать по максимуму арендованное пространство. Я хотела украсить зал и прорабатывала несколько вариантов, но потом ко мне пришла идея создать арт-объект. Это было абсолютно новой задачей, никто из знакомых художников такого не делал. Именно мои объёмные картины навели меня на мысль, что можно утрировать их размеры и показать глубину. С помощью современных технологий это стало возможно. У меня всегда была идея: увеличить и рассмотреть красивые мазки на картине и она решилась органично. Я создавала арт-объект из своей картины. Я хотела погрузить посетителей выставки в другую реальность, чтобы они оказались в увеличенной картине. К работе был привлечен дизайнер, мы разработали проект, выбрали картину, на ней был изображен лес: березы и сосны, разделили её на несколько частей и сделали трёхмерной. Фотографию картины мы увеличили в ширину, в высоту и раздвинули участки картины по глубине основания арт-объекта, чтобы за них могли заходить люди. Нам нужна была качественная печать и мы нашли фирму, она занималась декорациями и рекламными щитами. По чертежам дизайнера арт-объект был выполнен в срок, к открытию выставки. Готовый арт-объект мы установили на второй этаж, чтобы он был виден с первого этажа, где была кофейня, и там часто обедали студенты киношколы и школы дизайна –творческие люди.
Когда арт-объект установили, он занимал большое пространство и был выше человеческого роста, я испытала чувство двойственности, что он может перетянуть на себя внимание от картин. Но мои опасения развеялись - арт-объект завлекал людей, которые даже не знали о выставке, но увидев арт-объект, поднимались на второй этаж и удивлялись, что здесь выставлены объёмные картины, порядка 30 штук.
Лес символизирует внутреннее убежище, можно наладить связь со своим внутренним я. У посетителей выставки возникали различные мысли, например, что они животные в лесу. Какое животное могло бы жить в таком лесу и пробегать по этому месту: волк, медведь, лиса или заяц?
Кто-то предложил сделать фотосессию в стиле ню и, даже, нашлись желающие, но идея не была воплощена.
На выставку пришла журналистка, чтобы записать со мной интервью. Она долго смотрела на арт-объект, ей удалось отключить свою рациональность и обратиться к тому, что она чувствует. Вдруг она говорит: «Какую же фантазию нужно иметь, чтобы такое написать». Она увидела фаллические символы в картине. Когда я рассказала об этом галеристке , она сказала, что не видит ничего такого, это только её проекции. Крупные экспрессивные мазки призывают к свободе и фантазии. Картина раскрывается абсолютно по-другому с нового угла, когда видишь её больше и объемнее.
Каждый посетитель хотел сфотографироваться внутри картины. На выставке у нас была стратегия: люди должны фотографироваться с картинами и с арт-объектом и размещать фотографии в своих соцсетях. Мы добились своей цели, работа увлекала людей, они фотографировались, делали селфи по отдельности и группами в арт-объекте.
Если бы мне дали полную свободу действий, я бы принесла на Artplay вёдра с краской, дала бы всем участникам кисточки и у них была бы прекрасная возможность поучаствовать в перформансе: изобразить буйство ярких красок на арт-объекте и продолжить эту тему природы. Всё бы это действие фиксировалось на видео.
На открытии выставки было проработано музыкальное сопровождение, работал диджей, который задавал ритм.
После того, как я создала свой первый арт-объект, я узнала, что нет равнодушных людей к искусству, что все, кто видел этот арт-объект, проявляли к нему интерес. Я поняла, что с помощью фабрик можно создать произведение искусства, погружать зрителей в новую реальность, утрировать в несколько раз своё искусство, экспериментировать, менять размер картины, сделать ее объемной. Можно абсолютно всё, по заранее разработанному сценарию, но результат будет непредсказуемым. Ко мне пришло осознание – то, что художник считает произведением искусства, то им и является. Нужно иметь смелость называть себя художником-творцом и считать себя таким.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.